Weekly Photo Challenge: Object

Fotografía en Barcelona

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Julius Shulman

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Hace unos 4 años se estrenó una película documental sobre Julius Shulman, quien fuera quizás el fotógrafo de arquitectura más famoso de las décadas de la posguerra y hasta el surgimiento de la posmodernidad y que estuvo activo hasta poco antes de su muerte, a los 99 años de edad.

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Esa película, titulada “Acústica Visual” la proyectaron ayer en el Colegio de Arquitectos de Cataluña seguida de un pequeño foro con la presencia de dos destacados fotógrafos de arquitectura en España: Adrià Goula y Duccio Malagamba. El filme documenta la obra fotográfica de Shulman sobre la tesis de que mientras los arquitectos modernistas afincados en la costa oeste de los Estados Unidos y en particular en Los Ángeles, creaban su interpretación de la modernidad, a través de un lenguaje propio y un sistema constructivo característico, que representaba al sistema de vida optimista que se desarrollaba en esa parte del mundo en la posguerra, Shulman lo dio a conocer “creando” la imagen de aquel movimiento.

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Los arquitectos viven y mueren en las imágenes que se toman de sus obras” se escucha decir en los primeros minutos del filme y ese es el espíritu que se mantiene a lo largo de todo su metraje. Shulman dedicó toda su vida a inmortalizar tanto a arquitectos como arquitecturas que hoy viven en nuestra memoria sin haberlas visitado jamás, porque hay que reconocer lo que sabiamente decía Adrià Goula en la pequeña mesa redonda final: “La gran mayoría de la arquitectura que conoce un arquitecto y con la que se ha educado, la ha conocido a través de la fotografía” y en ese sentido Shuman fue el maestro que nos enseño la obra de Richard Neutra, Pierre Koenig, John Lautner, Oscar Niemeyer, Ricardo Legorreta e incluso Frank Lloyd Wright. En todo caso, en una entrevista que le hacen al director del filme, Eric Bricker, este dice que Shulman le comentó alguna vez que él había vendido más casas que las que vendían los propios arquitectos.

V.C. Morris Gift Shop: After Julius Shulman architecture-by-julius-shulman6

Comparto lo que echaba en falta Malaganba en los comentarios finales. Para un fotógrafo, la película adolece de falta de análisis de las fotografías desde un punto de vista técnico y se centra más en la personalidad del fotógrafo, quien aparece como un anciano vital y enamorado de su trabajo y que aun teniendo que necesitar de un socio que, siguiendo sus instrucciones, moviera el equipo; lo colocara en el punto exacto para hacer la foto e incluso disparara el obturador por él, seguía a sus 90 y tantos años haciendo fotografías de calidad. Sin embargo, también creo que la crítica de Malagamba se diluye si el film se entiende, no como una película para aprender fotografía de arquitectura, sino como una mirada a la vida y obra de un fotógrafo que estaba en el lugar correcto en el momento oportuno en el que un grupo de arquitectos, que vivían un boom profesional único, pensaron que podrían sacarle partido a un fotógrafo joven e inexperto a buen precio, como explica el hijo de Richard Neutra.

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Shulman aprovechó la ola de optimismo que se vivía en Hollywood de posguerra y como le dice alguien al propio Shulman en una escena al final del filme, se hizo más famoso que Elvis. Sin embargo, siendo fiel a la arquitectura del movimiento moderno que compartió a través de sus fotos, se sintió que ya no tenía espacio con el surgimiento de la arquitectura posmoderna y prefirió retirarse, dejando en herencia a su socio en aquel momento 10.000 $ en efectivo y 60.000 $ en equipos. Un trato justo diría el socio en el film.

¿El Emmy para la Torre de David?

Imagen tomada por mi en agosto 2012 desde la Torre Este de Parque Central, Caracas

Imagen tomada por mi en agosto 2012 desde la Torre Este de Parque Central, Caracas

Yo aún no he visto la serie de televisión Homeland. Se que va de un soldado norteamericano que lucha en Iraq y que por alguna razón sospechan  que se ha pasado al enemigo cuando regresa a Estados Unidos y comienza una persecución que ya va por la tercera temporada. La razón por la que me ocupo de esta serie en este post es porque precisamente, en esta tercera temporada, un capítulo se desarrolla en Caracas, ni más ni menos que en la Torre de David, galardonada con el León de Oro de la Bienal de Venecia 2012.

Casualmente en agosto de ese año intenté a través de un buen amigo lograr entrar en la mencionada torre para grabar un capítulo de una serie sobre arquitectura en Venezuela y no lo logré. Al poco tiempo me enteré del premio que recibía en Venecia y seguí con atención la gran controversia que se generó a raíz del León de Oro. Esta mañana mi hija me comentó que sus amigos le habían comentado que en una serie norteamericana mostraban un edificio en Venezuela, a medio construir donde vivían cientos de familia que ocupaban informalmente el edificio. Pues efectivamente, Teakwood Lane Productions logró hacer las fotos que yo no pude y muestra una realidad que suena bastante creíble de lo que puede suceder en su interior. Lo curioso es que esta torre, abandonada a medio construir hace 20 años y ocupada desde con el beneplácito del gobierno nacional, podrá ganar su segundo premio importante…el Emmy.

Incluyo una foto que tomé en agosto de 2012 desde la Torre Este de Parque Central y 4 imágenes de la pantalla del vídeo del capítulo de la serie titulado Torre de David. Por último hay un link para poder ver el capítulo completo en inglés.

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Imagen extraida del vídeo del capítulo Torre de David de la serie HOMELAND.
Los derechos de la imagen son de los propietarios de la serie.

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Imagen extraida del vídeo del capítulo Torre de David de la serie HOMELAND.
Los derechos de la imagen son de los propietarios de la serie.

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Imagen extraida del vídeo del capítulo Torre de David de la serie HOMELAND.
Los derechos de la imagen son de los propietarios de la serie.

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Imagen extraida del vídeo del capítulo Torre de David de la serie HOMELAND.
Los derechos de la imagen son de los propietarios de la serie.

http://moevideo.net/video/93561.97cd9041e58b38c0bb1b3e1f6b41

The Lost Thing

Me reconozco como un aficionado a los cortometrajes de animación de producción independiente y cuando tengo oportunidad de ver uno en la televisión lo hago incluso contra la opinión de mi familia, que se levanta y se van de la habitación mientras dura la película (nunca más de 15 minutos). Probablemente la mía es una afición derivada de los buenos recuerdos que guardo de algunos dibujos animados que disfruté durante mi infancia como aquellos de la Warner Brothers (Bugs Bunny, el Corre Caminos, el gallo Claudio….).

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Por lo general, ver un corto por televisión es un asunto de suerte. Tengo la impresión de que solo lo colocan como comodines para rellenar algún espacio entre películas y nunca como parte de la programación habitual y eso que hay verdaderos maestros del cortometraje en todos los continentes. Pues bien, la noche del sábado tuve la suerte de ver por televisión un corto impecable titulado The Lost Thing, realizado por Screen AustraliaPassion Pictures de Australia y basado sobre un libro de Shaun Tan, un ilustrador graduado en la Universidad de Western Australia en Bellas Artes. Tan descubrió desde muy joven que si había alguna cosa que sabía hacer mejor que los demás, era dibujar y con el tiempo encontró el camino para vivir de la ilustración. Los dibujos, en este caso, fueron los que me sedujeron.

Tan explica que él no es un ilustrador que reproduzca lo que ve aunque esté copiando del natural. Su arte siempre está a la búsqueda de equivalencias paralelas al modelo en su imaginación. De allí surgen esos personajes estilizados y algo jorobados deThe Lost Thing, ambientados en un mundo retro-futurístico mecanizado y desalmado, donde, según explica en la página web dedicada al libro en el que basa la película…

… there were almost no living things left, aside from people, and that everything was very dull and suffocating, but nobody cared too much about this.

La criatura que el protagonista del cortometraje encuentra en la playa es grande, roja, aparentemente una tetera inexpresiva de hierro, con orificios con tapas articuladas; un  par de tenazas grandes como las de un cangrejo y dos especies de ojos alargados que emergen de alguno de los orificios. La expresividad de la “cosa” se adquiere en sus movimientos; juguetones a veces, tímidos y sutiles en otras ocaciones ¿Cómo es posible que nadie se de por enterado de su existencia?

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Según explica Tan, la estética de la película intentó en todo momento alejarse de los objetos generados con CG. Por el contrario, casi todo el material es pintado a mano con medios no digitales como lápices, acrílico, oleo e incluso el collage.

En un artículo de Digital Media World dedicado al equipo de modelado, iluminación, texturización y animación de la película (Tom Bryant y Leo Baker) se lee que:

 The brief from Shaun regarding the textural look and feel of the whole project was to make the models “like puppets”. The textures were designed not to look exactly like the intended surface but more to be ‘representative’. For example, rusty pipes weren’t textured using photographic metallic rust source material. Instead, Shaun provided high res scans of hand-painted texture source material, which were representative of the surfacing that he wanted to be used on the characters, environment surfaces and details that he’d like to see in the film, like signs, wording and so forth.Tom used these to construct the actual surface textures for the 3D models, sometimes directly, using areas of the texture scans, re-arranged to fit the UV layout of the 3D models. Often, especially on the environments, combinations and variations of several were used to provide a wider range of surfaces and to prevent the viewer from noticing textures repeating and appearing in more than one environment. He also often incorporated areas of actual photographed real-world textures to add more detail and variation.

El libro fue escrito en el año 2000 y la película tiene fecha 2010. Desde ese momento ha cosechado 29 peremios, incluído el Oscar al mejor corto de animación 2011. Si quieres verla, aquí está el link de Youtube:

Las imágenes incluidas en este post son todas propiedad de sus autores.

El fotógrafo de Marilyn

Me enteré por la prensa que murió Bert Stern, fotógrafo de modas que hizo un imperio de la fotografía entre los años 60 y 70 del siglo XX y que todos conocemos por su famosa “ultima sesión” que hizo a Marilyn Monroe poco antes de la muerte de la actriz en 1962.

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Stern trabajó para revistas de la talla de Mayfair, Fashion & Travel y para Vogue, para quien hizo la famosa sesión que le llevó tres días terminar. Fueron más de 2000 fotografías, en tiempos de la fotografía analógica/química; es decir en tiempos en que había que dedicar horas en un cuarto oscuro, por momentos precariamente iluminado con una luz roja de baja intensidad. Aún así, esa serie de imágenes es un hito en la historia de la fotografía. En 1982, Stern publicó un libro con parte de la sesión al que llamo The Last Sitting, y más tarde, en 2008, reprodujo muchas de las fotos que hizo a Marilyn en 1962, usando como modelo esta vez a una gran fan de la actriz, la también actriz Lindsey Lohan. Personalmente prefiero la sesión original ¿Qué opinan ustedes?

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Sin embargo, lo que más me interesa de su trabajo es la famosa película titulada Jazz on a Summer’s Day. Es un documental dirigido por Aram Avakian sobre el Festival de Jazz de Newport que se puede ver entero en Internet y que presenta las actuaciones de gente como Gerry Mulligan, , Thelonious Monk, Sonny Stitt,  Chuck Berry, Dinah Washington, Jimmy Giuffre , Anita O’Day, Louis Armstrong y Jack Teagarden.

Esta película fue seleccionada por el Departamento nacional de registro fílmico de los Estados Unidos, en la Biblioteca del Congreso como de importancia cultural, histórica y estética. Es una hora y 20 minutos de buen jazz y bella fotografía que combina imágenes del festival y de la Copa América de regatas de ese año

A inicios de los años 70, el imperio de Stern tuvo una quiebra que le obligó a cerrar su estudio, que tenía cerca de 40 personas trabajando para él y mudarse a España, pero ya a finales de los años 70 estaba de vuelta a Nueva York y de nuevo dedicado a la fotografía. Murió en Nueva York a los 83 años. QEPD.

Hay una película sobre él y su Obra, del 2011, dirigida por Shannah Laumeister que se llama Bert Stern: Original Madman. Habrá que verla.